刊行物

ベヒシュタインから見える風景 Nr.1

公演名:ベヒシュタイン・ジャパン ドビュッシー没後100年フィナーレ企画
『ドビュッシー ピアノ曲の秘密』
~ピアノ1台でオーケストラのような効果を出すには~
出演者:青柳いづみこ(Pf)、加藤正人(対談)
日時:2019年2月8日(金)
会場:汐留ベヒシュタイン・サロン

今回は、ドビュッシー没後100周年のフィナーレ企画として、ピアニストで文筆家の青柳いづみこさんをお迎えしてのレクチャーコンサートでした。プログラムはオール・ドビュッシー。
前半は冒頭に〈夢〉を演奏された後、ピアノ制作マイスターで弊社社長の加藤とベヒシュタインやドビュッシーにまつわる対談が行われました。青柳さんが2018年に発売されたドビュッシーのCDでは、1925年製のベヒシュタインE型が使用されており、その録音に至る経緯を語って下さいました。CDの目玉である《聖セバスチャンの殉教》は、原曲がオーケストラの曲なので、その立体感や神秘的で摩訶不思議な雰囲気を出すのにこのE型がぴったりだったということです。これらについての詳しい内容は、『ドビュッシー ピアノ曲の秘密』(青柳いづみこ監修、音楽之友社2018年11月発売)の対談ページに掲載されています。
ここで、ベヒシュタインと他社のピアノの構造の違いについて、ピアノ製作マイスターの加藤より映像を使っての説明がありました。時代が変わっても現在まで継承されているベヒシュタインの特徴として、低音域、中音域、高音域と各レジスターの音色の違いを弾き分けることができるということ。戦前のものはよりそれが強く反映されているが、現在のモデルにもその特徴は踏襲されているということです。ベヒシュタインのカタログなどで「オーケストラのような立体的で多彩な音色作りができる」という謳い文句を目にしますが、その言葉の意味がよく分かりました。さらに際立った特徴として、高音域にいくほど高い倍音が共鳴するようにズレ幅が大きく設計されており、高音でゆらぎが出るように工夫されている、という説明がありました。つまり、それによって生じるうなりが一音一音独特の味わいを生んでいる、ということです。青柳さんがベヒシュタインで特に気に入っているところは、ドビュッシーを弾く際、「ペダルを踏んだままでも音が濁らずクリアに聞こえるところ」だそうです!
後半は、青柳さんの演奏と解説でドビュッシーのいくつかの作品をもとに、各場面でどのような音が求められているのか、また理想的な音を出す為にはどのように弾いたら良いか、またどのようにアプローチしたら良いか、という実践的なレクチャーが展開されました。主に取り上げられた曲は下記の通りです。

♪〈スケッチブックから〉
♪《ベルガマスク組曲》より〈月の光〉
♪《映像第2集》より 第1曲〈葉ずえを渡る鐘の音〉
♪《聖セバスチャンの殉教》ピアノソロ版(カプレ編曲)より〈百合の園〉、〈法悦の踊り〉
♪《前奏曲集第1巻》より〈亜麻色の髪の乙女〉、〈沈める寺〉、〈ミンストレル〉
ほか

レクチャーの中では青柳さんの演奏法の解釈を裏付けるものとして、ドビュッシー自身が語った言葉がいくつか紹介されました。〈月の光〉の冒頭(譜例1)では、一般的には最上声部を強く出そうとする人が多いけれども、この場合そうではなく、すべての音が溶け合った響きとして聞こえるようにあえて上の音を強調しすぎないほうが良い、ということでした。このことはドビュッシー本人の「名ピアニストの(右手の)小指は不要だ。」という言葉にも裏付けられています。彼は「自分の音楽は全て旋律だ」とも語っており、ドビュッシーの和音は自然倍音列だけから拾われているので、すべての和音がきれいにハモるのです、と青柳さんは仰いました。ある時、ドビュッシーが「君の(作曲の)ものさしは?」と尋ねられると、「耳の喜びです。」と答えたそうです。ドビュッシーは偏屈でとてもこだわりのある人物だったと言われていますが、彼の残した言葉は多くが記録に残されており、そのおかげでこうして現在でもドビュッシーのピアニズムを知る上でたくさんのヒントを得ることができるのは幸いだなと思いました。

譜例1.《ベルガマスク組曲》より〈月の光〉 冒頭部分

次に、三段譜での各旋律線のレベルの弾き分けについて、《映像第2集》より、第1曲〈葉ずえを渡る鐘の音〉(譜例2)を例に、楔形(三角)アクセントとテヌートの弾き分け方について言及されました。三角(楔形)アクセントは、指を固めて重さはかけずに打鍵のスピードを速く、テヌートはゆっくりと打鍵、また3小節目に登場する最上部の旋律は、輝きを出すために、やはりこれも固い指で重さはかけずに弾きます、とのこと。

譜例2.《映像第2集》より第1曲〈葉ずえを渡る鐘の音〉

続いて、1889年のパリ万博で展示されたプレイエルのモダンチェンバロに影響を受けたドビュッシーが、自身のピアノ曲にクラヴサン音楽の技法を自身のピアノ曲に取り入れた例がいくつか紹介されました。例えば、《前奏曲集第1巻》より〈ミンストレル〉(譜例3)では、装飾音はチェンバロのイメージで前に出さず拍頭で合わせ、また両手の激しく交差するところでは指の関節の支えとバネが必要、と弾き方のコツを実演して下さいました。

譜例3. 《前奏曲集第1巻》より〈ミンストレル〉

青柳さんが学生の頃のピアノ界は、大きい音でより速く弾くことが競われていた時代で、ドビュッシーなどは指の弱い人が弾くもの、と言う人も多かったそうです。もちろんそれは間違った認識で、ドビュッシーはショパンの弟子であるモーテ夫人の弟子でもあり、ショパンのピアニズムを受け継いでおり、むしろ指の強靭さが必要だと仰いました。他にも、ベヒシュタインとも絡めつつ、ドビュッシーのピアノ曲を弾く上でのコツを惜しみなくお話し下さり、フィナーレ企画に相応しい盛りだくさんな内容で、大変有意義な時間でした。
(前田)

ベヒシュタインから見える風景 Nr.2

弊社ベヒシュタイン・ジャパンの正規代理店 たかまつ楽器さん(高松市)では数年前から「青い鳥マスタークラス」が開講されています。このマスタークラスでは石本育子先生による授業と、定期的に特任講師内藤晃先生のレッスン・授業が行われています。このレッスンと授業の相乗効果を、受講生の子供達の魅力的な演奏を聴くことで確信することができました。旋律の抑揚からイメージできる人の会話や、その響きが造る感情の機微は、ピアノの技巧的な部分にフォーカスされた演奏からは決して感じられないものです。

その演奏を支えるのはピアノです。多くのピアノ楽曲が作られた時代のピアノの重要な特徴をどこかに置いてきてしまったピアノしか知らない状態で、果たしてその音楽を通して作者が放出したかった感情は理解され表現できるか?と考えると疑問が残ります。ベヒシュタインをはじめとするヨーロッパの一流と呼ばれるピアノは、ピアノ演奏芸術が開花した19世紀のピアノ製造が求めた楽器としてのピアノの本質を、常にその時代の要求に適合させながら継承しています。何が良いのか、何故良いのかは、求めるものがなければ理解できないものです。その、求める表現の可能性を引き出す授業とレッスンがこのマスタークラスでは行われ、その教育方針にふさわしいピアノとしてベヒシュタインが使用されています。(加藤 正人)

ピアノ教育の現場から—

ベヒシュタインピアノの特性を活かしながら音楽をより深く理解するピアノ教育を実践している内藤晃先生と石本育子先生のお二人に、誌上特別レッスンとして今号より連載いただきます。音楽表現の可能性をいかに引き出していくのか、ぜひご注目ください。

 

ピアニスト、ピアノ講師、ピアノマイスターそれぞれの視点から語る、ベヒシュタインのピアノ
隅々までを意識して弾くということ。

内藤 晃(ピアニスト)
石本 育子(たかまつ楽器ピアノ講師)
加藤 正人(ベヒシュタイン・ジャパン代表)

内藤:実は、ベヒシュタインって、弾き手の意識が行き届いていない部分をあぶり出しちゃう、こわいピアノなんですよ!

石本:そういう場面、レッスンでいつも見ています。本人が気づかない音楽的理解の度合い等全てお見通しな楽器。それをレッスン内で指摘すると、びっくりされ、そして急激に変わってくれます。例えば、弾き手がメロディライン等『出したい音』として拘って打鍵した音達が、実は頑張り過ぎると耳にうるさい音として聴こえてくるんです。メロディラインって何でもかんでも出せばいいものではないのはある程度やってる人ならわかってくるけれど、ちょっと大きすぎるとかちょっと解放が遅いとか、を許してくれない楽器。それを最初は指導者が示唆するのですが、いつもベヒシュタインを弾いていると弾き手自身が気づくようになる。

内藤:アンバランスだったり抑揚がおかしかったりするのが、そのまんま音として出てきますよね。ピアノが助けてくれないんです。でも、隅々まで意識を行き届かせて弾くと、どこまでも微細なニュアンスで応えてくれる。アラが目立つというのは、実はすごく反応がいいということなんですよね。

加藤:そうですね。お感じになっているようにベヒシュタインはハンマーが打弦した瞬間の音の立ち上がりが早いです。これは、響きを拡張する音響部位全体の構造の特徴にあります。また、整音という音を整える作業がありますが、小さな音での音色の変化も明確に出るポイントを探りながら行います。声のように多彩な抑揚をつけたいわけです。これはベヒシュタインの独特な倍音構成があるからこそなせる技でしょう。

内藤:このような反応のいい楽器だと、出したい音色を探ってるうちに子どもたちの音へのアンテナが研ぎ澄まされていきますね。

石本:隅々までの意識、まさに最近の指導で核にしているところです。脳をフル回転させないとできないことでもありますが。だから、見学してるお母様がきょとんとされることがあって(笑)生徒がたった一回弾くと疲れてヘロヘロになって私が「『よく頑張ったね、ブラボー』この曲終わり」みたいな。

内藤:そう、脳を使うんです!フレーズを歌うとき、その行き先を見据えて歌い出さないと自然な抑揚がつくれない。和声に沿って音色をふっと翳らせたいとき、1-2拍前あたりからその行き先が意識できていないと、間に合わない。手がいま弾いているところと、脳が感じているところは、時差が必要なんです!

石本:時差、すごく重要だと思いますね。その時差の長さ?も次にどんな音楽があるかで変わってきますし、次の音楽をどう理解しているか、もその時差の取り方でわかってしまう。指導者にとってもわかりやすい有難い楽器です。

内藤:無神経な弾き方をしてしまってもある程度いい音で返ってきちゃう楽器があるなかで、ベヒシュタインは、脳からの指令が間に合ってないときと間に合ったときで、音色が如実に変わりますね。

加藤:先に説明した音の立ち上がりの速さと、もう一つ、響きに透明感があることも音色の変化を大きく感じる要素の一つでしょう。響きに透明感を出し、音域による響きの違いを作りやすくする独特な響板構造がベヒシュタインの特徴です。この構造部分をベヒシュタインでは、グランドピアノではメインリブ、アップライトピアノではレゾネーターと呼んでいます。これは、響板内の振動伝搬を区切る独特な響板工法で、他に例を見ない響きの体験を実現します。ダンパーのハーフペダルなどで音を持続させても全体的に響がすっきりしていて全体の響きが濁りにくいことと、演奏の方法により、音域別に響きの感じを変えやすくなります。この響きの音域感は18 世紀〜19世紀当時のピアノが持つ特徴でもありました。ピアニストは全体の響きの中に旋律的な流れと和声的なバランス双方を意識しながら音楽を進めていくと思いますが、音の置き方をベヒシュタインははっきり見せてくれるはずです。

内藤:音の置き方、おもしろい表現ですね。確かに、ベヒシュタインは、響きの奥行きのなかでどのあたりか、音の位相・遠近感がわかりやすいです。ところで、石本先生が実践されてる、脳からの指令に必要な時差を子どもに体得してもらうためのアプローチについて教えていただけますか。

石本:実は少し変わったソルフェージュ指導をしています。リズム課題で1小節のまとまりを幼児期から吸収すること、前の小節の最終拍で次の小節全体を思い描くこととそれを叩くことの準備ができる脳を育てます。いつ指令を出すか、もとても重要ですが、次の音楽をイメージできる力も同時に育てたいなと思っています。

内藤:そうですね!とりわけ大事だと思うのは、鍵盤上で音にしなくても楽譜を音楽として脳内再生できる能力、そして、音楽の全体像を描く能力です

石本:はい。そういう意味で、マスタークラス授業でも構造の理解は重要度高いです。『森も木も』見えるように、です。

内藤先生、石本先生がお感じになっているベヒシュタインピアノの特性を活かしながら、実際どのように子どもたちに音楽を理解させていらっしゃるのか、誌上レッスンと動画をリンクして公開いたします。

石本育子先生 特別誌上レッスン①

石本育子先生レッスン動画

耳で記憶する。

石本:さて今日はある曲を聴いてもらってそれがどんな曲なのか?聴いて覚えて弾いてもらうことにします。

Yちゃん:え~!

石本:大丈夫、簡単だよ。

~ 演奏(ツェルニー100番練習曲~13番終盤)~

Yちゃん:え~!わからん!

石本:ただ聴いてるだけではつかめないよ。何を聴くか!?が大事。1つヒントね。3/8拍子です。じゃあそれを元に『何小節でできているか?』『どんな形でできているか?』を考えよう。それがわかれば覚えやすいよ。

~ 演奏 ~

さてどんなことがわかったかな?何小節?何調かな?

Yちゃん:24小節!ドで終わるから・・・ハ長調やと思う!

石本:さあ、もう弾けるかな?できるだけ少なく弾いて聴けるのがいいよ。どうしたら少ない回数で全部わかるか、考えよう!

~ 演奏 ~

さてじゃあどんな形式になっているのかな?音楽の形が『ぶんぶんぶん』か『メリーさんの羊』か、はたまた『春が来た』か?どれだろう?」

Yちゃん:え~と『ぶんぶんぶん』みたい!でもはじめと終わりは少し違う!

石本:そうだね、何が違って何は同じなんだろう?そこ聴いてみよう。

~ 演奏2回 ~

Yちゃん:え~と、メロディの音が多くなって・・・多分・・・左手は同じ?

石本:よく聴けました!メロディの音が多くなっても聴けたかな?

Yちゃん:うん!あ、ちょっとわかったかも!?なんか~同じようなこと言ってるから歌いやすい気がする。

石本:じゃあ、意外に覚えやすかった?音のかたち、『音形』が同じなんだね。

Yちゃん: ~ 演奏 ~

石本:よかったよ!

Yちゃん:でも~なんかちょっと・・・左手が・・・違ってないように聞こえたんだけど、使ってる音同じなんだけど~なんかちょっと違う。気になるなあ。

石本:じゃあ、そこは次のレッスンで解説しよう!

(続く)

内藤晃先生 特別誌上レッスン①

内藤晃先生レッスン動画

楽節構造ってなぁに?

内藤:Kくんは“文節”ってことば知ってる?

Kくん:国語で習いました!文章を“ネ”で分けるやつですね。

内藤:そう!意味のまとまりで区切った単位のこと。たとえば『ぼくは夕食後にピアノを練習します』って文だったら、『ぼくは/夕食後に/ピアノを/練習します』ってなる。僕らは日本人だからふだん文節なんか意識しないけど、英語の文を読むときなんかは、少し長い文になると、文節みたいな意味のまとまりごとにスラッシュ引いてくと読みやすくなるよね。

Kくん:カッコでくくりましょうとか、スラッシュ引きましょうとか、先生に言われます!

内藤:実は、音楽にも、文節みたいな意味のまとまりがあるんだ。楽節っていうんだけど。

Kくん:ガクセツ?

内藤:そう。それが曲のなかでどうなっているかを、楽節構造っていうんだ。だいたい4小節ずつ規則的に進行して、その小さなフレーズが8小節で大きなフレーズを形づくるんだけど、そうなっていない曲もあって。さっきのベートーヴェンの展開部は、6小節になったり、3小節になったりして不規則で、迷子になりやすいから気をつけて!英語の文も、区切りを間違うと、意味が伝わらなくなっちゃうよね。

Kくん:ほんとだ!4小節ずつの進行じゃないと、なんか半端な感じがします

内藤:そうそう!その“半端な感じ”大事にして!たとえば本来8小節でキリがいいはずのところが10小節かかってるとじらされるし、6小節で次行っちゃうとフライングっぽいよね。それって作曲家が狙ってることだから、まとまりはまとまりとして読んであげる感覚で弾くと、不整脈っぽい感じが出て面白くなるよ!

Kくん:…むずかしいですね!どうしても今弾いてるところに夢中になっちゃいます。

内藤:みんなそうなんだよね…。あらかじめ全体像を思い描いて、今のフレーズがどこまで行くか、その行き先まで見てみよう!そして、脳の中では、今弾いてるとこよりも一歩先を感じながら身体をリードしていけるといいよね。

(続く)

ベヒシュタイン・ジャパンで過去に開催したイベントからピックアップしてご紹介
EVENT REPORT③
ドイツ・マンハイム国立音楽芸術大学総長
ルドルフ・マイスター教授公開レッスン
講師:ルドルフ・マイスター
日時:2018年8/23(木)、8/24(金)
会場:赤坂ベヒシュタイン・サロン

ベヒシュタイン・ジャパン協賛のルドルフ・マイスター教授による小出郷ピアノ音楽合宿は20年以上の歴史を持ち、毎年8月に新潟県魚沼市小出郷文化会館で開催されています。この合宿と並んで夏の恒例行事となっているルドルフ・マイスター教授の公開レッスンが東京で開催され、今回はその様子を一部お伝えします。
まず、シューベルトの幻想曲ハ長調D760《さすらい人》。マイスター先生によれば、曲目のタイトルの「さすらい人」とはあてもなくさまよう人という意味もありますが、ここでは中世ヨーロッパにおいて若人が将来の仕事のために自分探しの旅をし、親方のもとへ修行しにいく、という様子を表現しているそうです。それを踏まえて冒頭の力強いテーマ【譜例1】をマイスター先生が弾き出すと、ファンファーレのようにピアノ全体が豊かに鳴り出し、今まさにさすらいの旅へ出かける若者を表すかのようにエネルギッシュで溌剌としたものになりました。また、転調していく様子は、次はどこへ向かうのか、はらはらしていたり、ホッとしたりなど、さすらい人の心情や旅の様子の描写だそうで、まさに旅の場面が目の前に浮かんでくるような演奏でした。

【譜例1】シューベルト:〈さすらい人幻想曲〉D760 冒頭

受講生の演奏もそれに触発されてか、ただff、アクセント、など演奏するだけでなく、音がだんだんと開放され表現が豊かになっていく様子がとても印象的でした。長大な曲ですが、マイスター先生は冒頭のテーマの部分について特にこだわりを持って繰り返し手本を示されたり曲の背景などについてお話しされたりしているうちに一時間があっという間に経ちました。

次に、バッハの平均律二巻第1番【譜例2】のレッスン。一通り演奏が終わった後、「曲のダイナミクス(強弱)については、楽譜には何も書かれていないけど、あなたはどう考えていますか。」とマイスター先生は受講生に問いかけられ、答えに少し困った様子の受講生に「当時の楽器(チェンバロやオルガン)の音で演奏しているように模して弾くべきだという人もいるけれど、私はそうは思いません。現代のピアノで弾くなら全く別のものとして今のピアノの特性を生かした表現をすれば良いですよ。」と仰り、一例を弾い下さいました。決して全てを同じ次元で弾くのではなく、様々な楽器でのpやfを想起させるようにコントラストをつけ、四声体の各声部が異なる音色でくっきりと浮かび上がって、複雑に入り組んだバッハの曲が立体的で生き生きとしていました。この時ふと、混じりけが少なく音域ごとに音色が異なるという特徴をもったベヒシュタインのピアノでバッハを弾くことの大きな意義を感じました。「自分が弾いたのはあくまでも一例であり、同じようにあなたが弾かなければいけないということは全くありません。あらゆる瞬間の響きを感じて自由に表現して良いのです。」とあくまでも奏者の意志であるということを強調されました。

【譜例2】バッハ:平均律第2巻 第1番 プレリュード 冒頭

最後に、ラフマニノフの練習曲Op.39-1【譜例3】では「多くの人が左手を強調しすぎるけれど、これはヴィルトゥオジティーを見せる曲だから、大変だけれども右手の動きを単なるハーモニーとしてぼかして弾かずに、うねりをしっかりと表現しましょう。そうしないとラフマニノフらしさが出てきません。同時に左手の声部は、レガ―トでチェロのような音色で表現しましょう。右と左が同じ音色にならないように!」と指導され、受講生の演奏もより立体的になっていきました。

【譜例3】ラフマニノフ:絵画的練習曲 作品39-1 冒頭

作品ごとに、各時代の様式を踏まえ、現代のピアノ、更に言えばベヒシュタインのピアノで表現できる可能性がとても生かされたレッスンで、非常に熱のこもった時間でした。冒頭で触れたマイスター教授による小出郷音楽合宿は、2020年はコロナウイルスの影響で中止となりましたが、2021年8月17日~22日に開催予定です。詳細は追ってHP等ご案内をご確認ください。
(文責:前田)

【引用楽譜】
Petrucci Music Libraryより
・F.Schubert: Fantasie in C major, D.760 https://imslp.simssa.ca/files/imglnks/usimg/e/ec/IMSLP02232-Schubert-Wanderer-Peters.pdf
・J.S.Bach: Prelude and Fugue in C major, BWV870 https://imslp.simssa.ca/files/imglnks/usimg/5/59/IMSLP29930-PMLP05899-Prelude_and_Fugue_No.1_C_major,_BWV_870.pdf
・Rachmaninoff: Etudes-tableaux, Op.39
http://ks4.imslp.net/files/imglnks/usimg/f/f5/IMSLP39591-PMLP01894-
Rachmaninoff-Etudes-Op39.pdf